Langhorne Slim & The War Eagles: la conquista di Lugano!

Langhorne Slim & The War Eagles

Live at the Livingroom Club, Lugano, 22.11.2008

Supporting Act: The Pussywarmers

Ecco una di quelle (rare) serate da incorniciare, uno di quegli sprazzi di vita da custodire gelosamente nella personale cassetta dei ricordi.
Per chi aveva avuto l’occasione di vedere il buon Langhorne Slim ed i suoi War Eagles un anno fa al Paso Club di Gorduno, sperduto paesello incastrato tra il capoluogo del Canton Ticino, Bellinzona, e le impervie vette del Lucomagno, l’opportunità di gustarselo nuovamente in quel di Lugano non poteva che apparire imperdibile.
E così è stato. Forte di un buon secondo album, in cui, però, in tutta onestà, sembra un pochino venire meno la carica devastante e l’irruente freschezza del primo disco, il cantastorie americano ha solcato nuovamente l’Oceano per ripresentarsi di fronte ad un numerossisimo ed entusiasta pubblico. Dopo l’ottima apertura (acustica) di concerto affidata ai locali Pussywarmers, titolari di un sound originale e coinvolgente, perfetto crocevia tra un folk n’ roll da strada ed un rockabillypunk debitore dei fifties più oscuri e selvaggi, il trio di Langhorne Slim ha preso possesso del palco del Livingroom Club.
Dopo poche parole, qualche ringraziamento, i tre hanno sapientemente preso in mano il pubblico, trascinandolo in un vortice di folk n’ punk che ha lasciato davvero pochi superstiti sulla pista da ballo; Langhorne tiene il palco con consumata bravura, ed ha dell’incredibile pensare che la band riesca ad infuocare in tal modo un locale senza nemmeno l’ausilio di strumenti elettrici. Chitarra acustica, contrabbasso ed una batteria a dir poco deflagrante sono i soli ingredienti necessari al trio per bombardare la folla con le proprie canzoni. Che sono, spesso, di eccellente caratura; In the Midnight è un piccolo, brevissimo capolavoro, in grado di far letteralmente tremare le pareti del locale. The Elecrtic Loveletter pare poesia pura, così come la dolcissima Colette, prima che esploda in uno sferragliante finale. Checking Out sarebbe un hit radiofonico ovunque, se le radio non fossero tanto intasate da porcherie d’alta classifica ma di bassa qualità. She’s Gone riassume, in poco più di due minuti, l’essenza di Langhorne Slim, con la sua chitarra lanciata a mille e la sezione ritimica che sembra un’intera mandria di cavalli lanciati su sterminate praterie. Ma la palma di miglior pezzo della serata va indubbiamente alla splendida e coinvolgente I Love to Dance, con due Pussywarmers ad accompagnare la band, in un tripudio di orgiastica esaltazione collettiva.
A chiudere la serata, quattro ore ininterrotte di selvaggio e primordiale rock n’ roll dalla postazione Dj, con tutto un locale a ballare fino alle ore piccole; ricordi, dicevo, stampati come fuoco sulla pelle dell’anima.

Garage & Obscure Tunes from the web

Sono nuovamente connesso col mondo virtuale!
E per inaugurare questo rientro vorrei rendere omaggio ad uno dei miei generi preferiti: la garage music più oscura, putiscente e rozza dei selvaggi sixties.
Ogni qualvolta mi trovo a spiegare cosa sia la musica garage mi si presentano di fronte volti curiosi, finanche dubbiosi di quanto sto per raccontargli; non so bene a cosa possano pensare, ma l'espressione è non di rado velata di sarcasmo o, addirittura, disprezzo...
"Psichedelia? Chitarre fuzz? Organetti farfisa? Roba da cinquantenni..."
Con tutto il rispetto che va tributato ai cinquantenni, la garage music dei '60 è, perlomeno negli anfratti più remoti e devastati dei miei padiglioni auricolari, quanto di più fresco, vivace ed eccitante possa ancora sgorgare dal pentolone magico dei sessanta.
Compilation (estese a quattro cd grazie all'apporto, imprescindibile, dell'etichetta Rhino) quali Nuggets, Nuggets II e Children of Nuggets, nonchè le varie serie di Pebbles e Back from the Grave, senza contare un'impressionante miriade di compilation minori, edite a metà strada tra lo scadere dei fatidici sessanta e l'avvento dei logorroici settanta, seminano, forse indirettamente, i germogli della rigogliosa e devastante rivoluzione punk cui si assistette a partire dalla metà dei settanta (sempre più impregnati da involuzioni musicali quali la disco music e le seghe mentali del prog rock). Ritmi serrati, qualità tecnica e sonora oscillante tra il rozzo e il deleterio, pezzi della durata massima di tre minuti, ma, sopratutto, una primordiale e deflagrante energia a marcare a fuoco queste composizioni, spesso frutto di compagini dalla brevissima durata, ecco gli elementi portanti di un sound che, nel suo piccolo, poco al di fuori dei garage in cui veniva concepito, ha posto le basi per un'autentica rivoluzione di stile e di contenuto.
A breve vi parlerò più nel dettaglio di questa seminale e purtroppo remota pagina della storia del rock n' roll; per ora non posso che consigliarvi di visitare questo eccezionale blog dedito, in larga parte, a questo movimento purpureo sfumato di selvaggia psichedelia.
Godete: http://chocoreve.blogspot.com/

Portishead: oscuro erotismo

Tempo fa lessi che la miglior canzone per una serata di sesso era Sexual Healing, del compianto Marvin Gaye; senza voler nulla togliere al grande della musica soul targata Motown, io, sul podio, ci metterei Glory Box, della band inglese dei Portishead.
Orignari di Bristol, patria degli altrettanto cupi Massive Attack, i Portishead propongono una musica decisamente oscura, minimale, in cui regna una tensione erotica pari a pochi; è sopratutto la voce eterea e nel contempo tinta di tenebra della cantante Beth Gibbons a rendere i loro brani tanto avvolgenti quanto sfumati di un lascivo tocco di sesso.

Il loro debutto Dummy, uscito nel 1994, è un capolavoro, che il tempo, a distanza di 13 anni, non ha minimamente scalfito; a partire dall'ipnotica Mysterons, con quel ritmo trascinato che diverrà un marchio di fabbrica del gruppo, passando per Sour Times, struggente nella sua nudità, It's a Fire, dove affiora una parvenza di inaspettata dolcezza, fino ad arrivare alla già citata Glory Box, un blues urbano che sembra essersi fatto largo dalle nebbie dei secoli, l'intero album mantiene una tensione ed una carica espressiva invidiabili, talmente intense da renderne, almeno inizialmente, difficile l'ascolto per intero.

Musica notturna, direi, quando ti vorresti adagiare accanto a un fuoco, al lume di candela, assaporando un buon rosso ben invecchiato, incontrando, nella penombra, labbra calde che sappiano trasportarti lontano, in compagnia di queste melodie che solo le tenebre sanno far brillare in tutta la loro oscura lucentezza.

Al debutto, tre anni dopo, seguì un secondo disco, omonimo; la formula era la stessa dell'esordio, canzoni screpolate da ritmi primordiali e incorniciate in un suono sporco, dove la ruvida ritmica si miscelava perfettamente alle malsane melodie vocali di Gibbons. Un altro piccolo capolavoro, assai più coeso del predecessore, ma non per questo privo degli spunti fugaci di alcuni brani: perle quali All Mine e Only You ribadivano, se mai ce ne fosse stato bisogno, la carica sessuale di questa inimitabile formula musicale, dove un certo jazz dal gusto antico si fonda alla perfezione con l'urgenza della modernità, delineando paesaggi urbani, all'ombra di ciminiere che toccano le profondità del cielo.

La terza fatica degli inglesi è ancora sospesa, ma, per ora, mi basta avvolgermi in questa musica che mi fa venir voglia di autunno, con l'orizzonte velato di nebbia ed il camino scoppiettante, mentre le tenebre calano lasciando spazio al sinuoso silenzio della notte...

Love Will Tear Us Apart

Dopo un'estate passata a far di tutto tranne che aggiornare il mio blog, eccomi tornato!
Dato che, non appena potrò, mi tatuerò il titolo di una delle canzoni più belle, cupe e significative che conosca sul braccio, vorrei condividerne il testo con voi.

Love will tear us apart Joy Division

When routine bites hard
And ambitions are slow
And resentment rides high
But emotions won't grow
And we're changing our ways
Taking different roads

Then love, love will tear us apart again
Love, love will tear us apart again

Why is the bedroom so cold?
You've turned away on your side
Is my timing that flawed?
Our respect runs so dry
Yet there's still this appeal that
We've kept through our lives

But love, love will tear us apart again
Love, love will tear us apart again

You cry out in your sleep
All my failings exposed
And there's a taste in my mouth
As desperation takes hold
Just that something so good
Just can't function no more

But love, love will tear us apart again
Love, love will tear us apart again

Nel 2003 il NME l'ha eletto miglior singolo di tutti i tempi...quello che suscita in me è dolore, disperazione e verità...una perla d'altri tempi.

Lemonheads: grazie di esistere (di nuovo)

Dalle nostre parti, nel Vecchio Continente, non hanno mai goduto di una grandissima fama, se si esclude il tormentone Mrs Robinson, che risale a più di un decennio fa, quando, facendo loro lo splendido pezzo di Simon & Garfunkel, ebbero una risonanza più o meno mondiale.

Tralasciato quest'estemporaneo episodio, il gruppo capitanato da Evan Dando, compositore, cantante e chitarrista della band, sparì lentamente nel nulla, su entrambe le sponde dell'oceano, affogando, come spesso accade, di paripasso agli eccessi del proprio leader. E fu un vero peccato, poichè i Lemonheads, nati nella seconda metà degli anni '80 ed inizialmente dediti ad un hardcore melodico fortemente debitore degli Hüsker Dü più maturi, erano stati un ottimo gruppo, sopratutto quando avevano iniziato ad incanalare nella loro musica elementi di quella nascente scena indie che, di lì a poco, avrebbe portato alla ribalta, non solo nazionale, nomi quali Dinosaur Jr e Pavement.

Album quali Come On Feel e, sopratutto, It's A Shame About Ray sono dei veri gioiellini, strabordanti melodie, armonie ed una vivacità contagiose; canzoni apparentemente innocue come la titletrack di quest'ultimo, Rudderless, It's About Time o Style sono piccole gemme indie dalle pressochè perfette sfumature pop.

Purtroppo, come detto, i soliti eccessi da rockstar ebbero la meglio su questo piccolo e meraviglioso universo, intaccandone inevitabilmente qualsivoglia possibile lieto fine; il gruppo si congedò con un album abbastanza trascurabile e Dando si perse nelle fitte nebbie delle dipendenze. Il buon Evan fece ritorno sulle scene quasi dieci anni dopo con un album in solitaria decisamente degno di nota, in cui l'amore per il lato più acustico della sei corde si palesò in tutta la sua interezza. Ma, a conti fatti, anche a lui devono essere mancati, almeno come ragione sociale, i suoi Lemonheads.

Sul finire del 2006 esce così la nuova fatica della riformata band (di cui, ad onor del vero, l'unico superstite è il solo Dando); in sordina, senza un titolo, quasi a voler dire "Hey, in realtà non ho bisogno di grandi celebrazioni, perchè non me n'ero mai andato". Ed il disco soddisfa appieno le attese, calandosi a ritroso nelle ombre del tempo, quasi fosse stato registrato quando le teste di limone si cullavano ancora nella beatitudine e nella spensieratezza della gioventù. E noi fans con loro.

Dal deserto allo spazio profondo

Dopo settimane passate ad annacquarmi il cerebro con canzoni tra il melenso ed il patetico andante sto finalmente tornando alle mie origini, ovvero ai ruvidi suoni del rock più crudo e meno propenso a compromessi.

Dopo il celebrato ritorno dei sempre amatissimi White Stripes è il turno della nuova creatura musicale di Chris Goss, nome forse non conosciutissimo ma d'importanza a dir poco fondamentale per quello che è stato il rock a stelle e strisce degli ultimi 15 anni. Fu infatti lui a scoprire, agli inizi degli anni '90, un gruppo di scapestrati dedito ad un sound cupo e vibrante, memore del doom quanto dei primi Sabbath; questo gruppo erano i Kyuss. Dalle loro ceneri, come sappiamo, nasceranno in seguito i Queens of the Stone Age, i vari progetti delle Desert Sessions, gli Slow Burn, gli Unida, gli Hermano e un'altra mezza dozzina di bands di medio-corta durata.

Ma Goss era, ed è, oltre che profondo conoscitore ed amante della musica, anche un talentuoso musicista; con i suoi Masters of Reality ha realizzato dischi di ottima fattura ed almeno un capolavoro, che risponde al titolo di Sunrise of the Sufferbus, in cui è affiancato, alle pelli, nientemeno che da Ginger Baker, il leggendario ex-batterista dei Cream, prima, e dei Blind Faith, poi.

Accantonato momentaneamente il suo progetto principale, il signor Goss si unisce a Geordie White (il Twiggy Ramirez che si celava dietro al basso nei primi dischi di Marylin Manson ed, in seguito, degli A Perfect Circle) e Zach Hill, degli Hella, per dar vita a questi Goon Moon; il sound è vicinissimo a quanto siamo abituati a sentire nei dischi dei Masters, con l'elemento psichedelico che sembra miscelarsi quasi alla perfezione ai suggerimenti pop ed alle chitarre, spessissimo, imparentate coi Queens. Non a caso, tra gli ospiti presenti non poteva mancare Josh Homme, fedele compagno di viaggio di Goss sin dalla gioventù; il suo influsso, sopratutto alla sei corde, è senz'altro riscontrabile in pezzi tirati e trascinanti come My Machine, Feel Like This e Tip Toe.

L'amore sempre dichiarato di Goss per i Beatles si palesa poi nell'iniziale Apple Pie, dove i quattro baronetti di Liverpool sembrano incontrarsi con il sabba nero di Birmingham, ed in divagazioni quasi brit pop come Lay Down e Balloon?.

Con The Golden Ball c'è poi una suite di quasi dieci minuti in cui affiorano trent'anni e forse più di storia del rock, partendo dai Buffalo Springfield per planare coi primissimi Led Zeppelin.

Un bel disco, questo Licker's Last Leg, da consumare con la stessa passione con cui, sicuramente, è stato concepito e registrato...

The White Stripes are back...

Sono uno dei gruppi rock più veri in circolazione, dediti alla musica come pochi altri, capaci di sfornare con un'impressionante regolarità album ottimi se non, addirittura, eccellenti.

Un duo perfetto, con un compositore, Jack White, in grado di scrivere brani che ti si appiccicano addosso come miele o che, in taluni casi, divengono veri e propri inni; basti pensare a Seven Nation Army, colonna sonora non ufficiale della nazionale italiana al mondiale di Germania dello scorso anno (personalmente lo trovo un mezzo peccato, dacchè la canzone, con uno dei riff più memorabili degli ultimi decenni, ai miei occhi, perlomeno, è totalmente sputtanata). Alla batteria siede Meg White, sua partner musicale (e non solo, per un certo lasso di tempo) fin dagli albori; certo, non è John Bonham nè Keith Moon, ma il suo dovere lo fa sempre, con precisione e potenza, nonchè con un groove che molti superbatteristi da conservatorio si sognano.

Dicevo, uno dei gruppi rock più veri, poichè portano avanti il loro discorso musicale da quasi un decennio, senza farsi contaminare da fattori esterni, mode passeggere o manie di grandezza; con i Raconteurs, poi, il signor White ha pure fondato una sua seconda creatura musicale degna di nota, accompagnato nell'impresa (riuscitissima, direi) da Brendan Benson e dalla sezione ritmica degli ottimi Greenhornes.

Ma torniamo ai White Stripes e alla loro ultima fatica, questo Icky Thump, da pochi giorni in circolazione; mi è stato recapitato solo oggi dallo zelante postino di paese e, a parte il singolo che da il nome al tutto (prima titletrack per il duo) e che già da un po' avevo avuto occasione di apprezzare, con quel suo irresistibile richiamo al dirigibile di piombo, già si lascia intravedere una struttura assai più rock rispetto al precedente (e coraggioso) Get Behind Me Satan, dominato in larga parte dal piano.

Qua la chitarra torna a fare il diavolo a quattro, e non si può proprio dire che non mi fosse mancata; White, oltre che ottimo compositore e cantante versatile, è anche un grandissimo chitarrista, privo delle seghe mentali dei virtuosi, focalizzato sull'essenza del brano, ed è questo che rende tanto magico il suo stile. I brani che solcano le onde di questo nuovo, piccolo oceano di sorprese e meraviglie si muovono tra il rock dei primi settanta, con i soliti Zeppelin in testa, ed il folk del decennio precedente, senza disdegnare più di un'occhiata al country e alla psichedelia.

Insomma, i soliti, per così dire, ingredienti per il duo di Detroit, che ha ancora la voglia e la capacità di sorprendere e deliziare l'ascoltatore; sono pochi, anzi, pochissimi, i dischi che comprerei a scatola chiusa. Con i White Stripes non mi è mai andata male, un perchè ci sarà, o no?